今年夏天，臺北市立美術館推出精彩展覽「社交場」（Arena），參照現場藝術（Live Art，或譯作臨場藝術）的概念，以靜態展示、劇場、舞蹈、影像、參與式計畫等豐富的形式打開觀眾的感知，並呼應台北世大運的揭幕，與韓國光州美術館進行靜態的展覽交流。
觀眾的反應也十分踴躍，在各區域排隊等候、拍照留念，假如你曾逛過這檔展覽，是否發現到，除了豐富的展演，觀眾參與也成為作品的一部分了呢？非池中專訪策展人蕭淑文，分享她的策展理念，以及新型態的展示為美術館、觀眾帶來的影響和挑戰。
「社交場」策展人蕭淑文。圖/非池中藝術網攝。
「社交場」將真實世界的構成納入美術館
蕭淑文：我在策劃「社交場」時，並不是去強調互動和參與，而是思考現在、未來的展覽究竟能做到什麼？整檔展覽的能不能把真實世界的構成納進來？
早期所謂的「互動性作品」非常強調參與性，現在的作品則思考如何把觀眾含納進來，參與真實世界的建構。我覺得這是不太一樣的狀態，即「如何用展覽反映社會或是藝術性的議題」，於是藝術家會去設計一套做法，讓觀眾不知不覺參與到作品裡頭。
明日和合製作所《等待果陀》。圖/非池中藝術網攝。
王德瑜《No.90》，左：觀眾進入作品體驗空間；右：在外頭領取號碼牌的觀眾。圖/非池中藝術網攝。
譬如明日和合製作所的作品《等待果陀》，讓觀眾在渾然不知的情況下成為作品共同的演員；觀眾在等候進入王德瑜的作品《No.90》時，也不了解裡頭的人在做什麼，而是去進行想像。在日常生活中，我們都在等待，在購買演唱會門票時排隊等待、在醫院裡領取號碼牌，等待叫號…有時我們了解自己在做什麼，有時則不了解為何要等待，這兩件作品都在反映真實世界的狀態。
「社交場」為什麼會有活演出（Live Exhibition），或者何者被展示？以往被展示的是成品，但現在展示的可能是一個活生生的人。譬如河床劇團直接邀請觀眾成為藝術品。目前為止，幾乎沒看到觀眾不去換戲服、或是不拿道具的。人的心理是很微妙的，當你換上戲服後，好像換了一個身分，台上的人扮演有趣的角色，台下的人在拍照，甚至會有一群人圍在台下，就像在看一齣戲，他們在同一時間成為作品共同的作者。
河床劇團《當我們同在一起》。圖/非池中藝術網攝。
展覽現場影音報導｜「社交場」現場直擊
「社交場」外文展名「Arena」在古希臘羅馬指的是競技場，它是開放式的表演場地。我們在邀請表演團隊時，就曾告訴他們，必須思考如何在沒有舞台的狀態下進行演出。當舞台被移除後，演員和觀眾的距離不見了，這和劇場的環境不同，觀眾的身體也不會被制約，可以在展間裡自由行動。
我們也不會特別宣告演出的場次和時間，觀眾的感受像是「正好逛到某個角落，察覺到有一件事正在發生」；甚至也有同時段的演出，讓觀眾在走動中進行觀察。總地來說，我還是會將「社交場」稱為展覽，但是它包含活的展示，形成表演和展覽共生的結構。
我也在思考，為什麼現場藝術會走入美術館裡？例如今年威尼斯雙年展德國館獲得了金獅獎，展覽中就是包含表演性質；英國泰特美術館甚至有現場藝術相關的部門。如同你進入劇場、音樂會，也許不能理解它的語言，但是它的感官傳達性非常強，讓觀眾更逼近一些事情，進而思考某些問題。
以無害的藝術展示現實議題
如果你仔細看，會發現有一些議題被這檔展覽拉出來了。相較於可能產生流血衝突的運動，或是使用刀槍的暴力事件，藝術是較為無害的，讓觀眾參與到世界上的所有事物。
盜火劇團《漂流廣場》。圖/非池中藝術網攝。
余政達《TAI》。圖/非池中藝術網攝。
盜火劇團長期關注移工和新住民議題，他們的作品《漂流廣場》透過裝置與聲音展示、行動演出，將移工聚會的地點拉到美術館；余政達這次則呈現性別議題，透過經紀人的角色，將模特兒主角TAI展示出來。這些議題可能是我們平常視而不見，或沒有機會接觸到的，一旦將真實世界的場景拉到美術館來，觀眾可能就不得不去面對這些議題了。
王建揚則是在談「新世代的信仰」。年輕族群喜愛在社群網站展示身體，有時又展示親密關係，或者上傳活動的打卡照。他徵求幾種常見的圖像，將它們畫成黑白線稿，展示在教堂的燈箱裡。他曾說，身為7年級生的自己就是在社群網站上進行社交，不過作品並沒有嘲諷的意涵，這大概就是他的信仰。
王建揚《新世代的信仰》。圖/陳明聰提供。
耿一偉《去年夏天你不在，我來過》。圖/非池中藝術網攝。
大廳裝置《去年夏天你不在，我來過》由耿一偉策劃，他認為，現代人人手一機，好像只能透過小螢幕互動，因此在大廳設置手足球台、看台等裝置，讓觀眾放下手機進行交流，也擴大球台規模，希望陌生人也能彼此交流。這是身為5年級生，和7年級生會產生的不同思考。「社交場」和2017臺北世大運的時間有所重疊，光州是前一個舉辦世大運的城市，因此我們和光州在展覽裡有小的交流，展出7位韓國藝術家的作品。不論運動賽事、國際交流都是一種社交，這也是我們以「社交場」作為展覽主題的原因之一。
韓國藝術家朴相華的作品《無等異想2》。圖/非池中藝術網攝。
美術館準備好面對新型態展覽了嗎？
你問活演出為展覽帶來什麼困難…，但是應該這樣講，「美術館有沒有準備好面對這樣新型態的展覽了？」這幾十年來，國外不斷有現場藝術（Live Art）在發生，觀眾逐漸察覺到藝術家的意圖。我思考的是，有多少觀眾能感受到藝術家在談什麼，感受到它是一檔展覽，而不是表演，有意思的是，一些觀眾已經意識到了，這可能是要慢慢來的。
黃思農+再拒劇團《年度考核協奏》以大型圖像記譜裝置演奏聲響、動作演出。圖/非池中藝術網攝。
陳萬仁《午夜憂鬱》將真人游泳的影像放大、重複循環，是展覽裡比較沉靜的作品。圖/非池中藝術網攝。
對美術館而言，好像參與、互動性的作品變多了，觀眾就會把這裡當作遊樂場，而不認為這是一檔展覽。不曉得是不是受到商業展覽影響，外頭的商業展非常多，而它有票房考量，所以具有一定的娛樂性，相較於國外，台灣的觀眾似乎受到了誤導。
我認為，最大的挑戰其實是來自觀眾。我比較好奇觀眾在想些什麼，藝術家的期許和觀眾回饋永遠是不太一樣的。譬如耿一偉特別將兩座手足球檯合併起來，從4人變成8人的社交平台，希望陌生人能夠藉由遊戲互相認識。他也希望現場人員能像餐廳帶位般引導觀眾，我們在人力配置和訓練上會完全不一樣，需要整體考量，因此帶來新的挑戰；王德瑜的作品則是讓身體去體驗空間，但不論在造型、色彩上，都可能讓觀眾把它當作一座遊戲場域。
參與《等待果陀》，等待進入帳篷的觀眾。圖/非池中藝術網攝。
展覽開始第一週時，我也在想，難道是展名「社交場」誤導觀眾了嗎？就像過去我策劃的展覽「愛麗絲的兔子洞」（2015），在西方，《愛麗絲夢遊仙境》是很「暗黑」的文本，但是，不曉得是不是被我們的教育體系給遮蔽掉了，告訴我們這是個可愛的童話故事。也許，展覽名稱讓大眾以為我在創造童話故事裡的場域，做這類型的展覽，有許多方面需要去溝通。
這類型的展覽需要很多後勤支援，包括現場人員的引導方式，讓觀眾不會認為自己是來遊樂場的；展覽和表演是很不一樣的，譬如美術館裡禁止飲食，但是觀眾參與《等待果陀》的時候，可以在領取號碼牌後得到一份玉米花。這種微妙的界線，都影響了我們看待新型態作品的方式。
接下來還有好幾場演出，他們要傳達的議題都不大相同，我們也想知道，這些展演會帶給觀眾怎樣的衝擊性，而這都是我們需要去面對的。
展覽現場影音直擊｜「社交場」現場直擊
蕭淑文策展回顧｜「愛麗絲的兔子洞」真實生活：可理解與不可被理解的交纏
